![\"\"](\"https:\/\/anadel.fr\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/doubleportraitdesducsdurbinoh450.jpg\")
<\/figure>\n\n\n\nPiero della Francesca, Double portrait des Ducs d’Urbino<\/em>, 1473-1475<\/p>\n\n\n\n Au fil des si\u00e8cles, du portrait de cour de la Renaissance aux \u0153uvres de Vermeer ou Ingres, le portrait continue de marquer la place sociale et l\u2019identit\u00e9 personnelle. De Piero della Francesca \u00e0 Ingres, en passant par Vermeer ou Fragonard -, le visage incarne l\u2019identit\u00e9 individuelle et sociale, offrant une pr\u00e9sence singuli\u00e8re dans l\u2019histoire.<\/p>\n\n\n\n Ingres, Portrait de Monsieur Bertin<\/em>, 1832, 116 cm*96 cm, Louvre<\/p>\n\n\n\n Les expressionnistes (allemands ou autrichiens en particulier), comme Egon Schiele, Otto Dix, Georges Grosz ou Anton Kirchner, inscrivent dans le visage et le corps la r\u00e9volte et le malaise de l\u2019individu face \u00e0 la soci\u00e9t\u00e9, \u00e0 la guerre ou \u00e0 la mis\u00e8re. Dans leurs \u0153uvres, le corps est vecteur direct de tension et d\u2019\u00e9motion, traduisant l\u2019angoisse, la fragilit\u00e9 ou la crise existentielle. <\/p>\n\n\n\n L\u2019expressionnisme constitue donc la r\u00e9f\u00e9rence majeure des artistes de la deuxi\u00e8me moiti\u00e9 du XXe si\u00e8cle qui envisagent le corps et la figure comme moyen d\u2019exprimer la crise de l\u2019individu, issue de la deuxi\u00e8me guerre mondiale.<\/p>\n\n\n\n En quittant l\u2019univers surr\u00e9aliste pour se concentrer sur la figure humaine, Giacometti [1901-1966] fait du corps le terrain d\u2019une interrogation fondamentale : comment repr\u00e9senter l\u2019\u00catre ? <\/p>\n\n\n\n Contrairement \u00e0 Picasso, Matisse ou Bonnard, o\u00f9 le corps s\u2019int\u00e8gre \u00e0 un monde plus large, chez Giacometti, il devient le centre de toute l\u2019attention, un point d\u2019ancrage pour explorer la condition humaine. <\/p>\n\n\n\n \u00c0 partir de la fin des ann\u00e9es 1930, et surtout pendant et apr\u00e8s la guerre, ses sculptures filiformes traduisent cette qu\u00eate existentielle. Trop grandes ou trop fines, trop petites ou trop \u00e9tir\u00e9es, ses figures filiformes semblent flotter entre pr\u00e9sence et disparition, incarnant \u00e0 la fois fragilit\u00e9, isolement et r\u00e9sistance mais aussi une pr\u00e9sence irr\u00e9ductible. Elles refl\u00e8tent la solitude essentielle de l\u2019homme, comparable au h\u00e9ros sartrien, r\u00e9sistant dans un monde devenu \u00e9tranger. Avant m\u00eame d\u2019\u00eatre des bronzes, ces sculptures sont des modelages o\u00f9 le socle conserve la m\u00e9moire de la glaise originelle\u202f: la forme na\u00eet d\u2019ajouts et de retraits successifs, rendant visible l\u2019engendrement de la figure hors de la mati\u00e8re brute. Chaque sculpture garde la trace de cette gestuelle, comme si l\u2019acharnement de l\u2019artiste \u00e0 capturer l\u2019imperceptible traduisait la difficult\u00e9 de repr\u00e9senter l\u2019humain dans toute sa complexit\u00e9.<\/p>\n\n\n\n Alberto Giacometti, 1. Femme de Venise V<\/em> (1956);2. Femme qui marche<\/em> (1960); 3. Femme assise<\/em> (1949-1950) – fragilit\u00e9 et persistance de l’\u00eatre<\/sup><\/p>\n\n\n\n Ce travail sur la forme se retrouve dans ses peintures, o\u00f9 le mod\u00e8le se d\u00e9tache d\u2019un fond d\u00e9limit\u00e9, traduisant la m\u00eame lutte pour saisir l\u2019essence de l\u2019individu. Chez Giacometti, la figure humaine n\u2019est jamais pleinement poss\u00e9d\u00e9e par l\u2019artiste : son \u00e9chec \u00e0 la fixer devient moteur de cr\u00e9ation, et chaque \u0153uvre t\u00e9moigne d\u2019une pr\u00e9sence fragile mais intense, suspendue entre l\u2019\u00eatre et le n\u00e9ant.<\/p>\n\n\n\n \u00c0 la diff\u00e9rence de Giacometti, o\u00f9 la figure se r\u00e9duit \u00e0 l\u2019essence de l\u2019\u00eatre, d\u00e9sincarn\u00e9e et filiforme, Francis Bacon [1909-1992] place la chair et le visc\u00e9ral au centre de sa cr\u00e9ation. Chez lui, le corps est pleinement charnel, et l\u2019identit\u00e9 se dissout dans la mat\u00e9rialit\u00e9 biologique : la peau, les muscles, les traits se fondent en un magma vivant o\u00f9 souffrance et jouissance se m\u00ealent. Ses visages d\u00e9form\u00e9s, fuyants ou effac\u00e9s, traduisent une violence inh\u00e9rente \u00e0 l\u2019existence, moins li\u00e9e \u00e0 l\u2019histoire ou \u00e0 la soci\u00e9t\u00e9 qu\u2019au simple fait d\u2019\u00eatre vivant. Cette violence se manifeste par l\u2019effacement des traits et le brouillage des contours, qui transforment la figure humaine en un espace de sensations primaires et indiff\u00e9renci\u00e9es, un corps pris dans le couple souffrance\/jouissance, <\/em>au plus pr\u00e8s de ce que Deleuze appelle une \u00ab logique de la sensation \u00bb2<\/sup>.<\/p>\n\n\n\n Francis Bacon, 1. Reclining woman<\/em> (1961) montre la chaire tendue et d\u00e9form\u00e9e mise en tension; 2. Female nue standing in a doorway<\/em> (1972) prolonge cette approche en exprimant une intensit\u00e9 dramatique encore accrue; 3. Seated woman<\/em> (1961) chaire bless\u00e9e et douleur.<\/sup><\/p>\n\n\n\n <\/p>\n\n\n\n “La sensation, c’est ce qui est peint. Ce qui est peint dans le tableau c’est le corps, non pas en tant qu’il est repr\u00e9sent\u00e9 comme objet, mais en tant qu’il est v\u00e9cu comme \u00e9prouvant telle sensation.”2<\/sup><\/p>\n\n\n\n Francis Bacon, Studies of the human body<\/em>, 1970<\/p>\n\n\n\n Le triptyque Studies of the Human Body<\/em> incarne son int\u00e9r\u00eat pour le corps f\u00e9minin et sa confusion avec la forme masculine. Bacon emprunte des r\u00e9f\u00e9rences \u00e0 la mythologie ainsi qu\u2019une adaptation du Nu dans un jardin <\/em>de Picasso. En f\u00e9minisant le Torse du Belv\u00e9d\u00e8re<\/em> et Narcisse<\/em> de Caravage en leur ajoutant des seins, il utilise cette oeuvre pour r\u00e9fl\u00e9chir aux similitudes entre le corps f\u00e9minin et masculin. Sur le panneau de droite, il ajoute son autoportrait \u00e0 la t\u00eate, refl\u00e9tant peut-\u00eatre la ressemblance qu\u2019il sentait avec les femmes qui l\u2019entouraient.<\/p>\n\n\n\n 1.Picasso, Nu dans un jardin<\/em> ; 2. Le Torse de Belv\u00e9d\u00e8re<\/em>; 3. Caravage, Narcisse<\/em><\/sup> Les \u0153uvres de Bacon, notamment ses portraits tordus, montrent un corps pris dans un \u00e9tat d\u2019intensit\u00e9 extr\u00eame, o\u00f9 jouissance et douleur coexistent et se confondent. Le visage n\u2019est plus un rep\u00e8re d\u2019identit\u00e9, mais un territoire de tension, refl\u00e9tant ce que le psychanalyste Donald Winnicott3<\/sup> interpr\u00e8te comme une exp\u00e9rience traumatique du nourrisson face \u00e0 l\u2019inaccessibilit\u00e9 du visage maternel. Chaque toile devient ainsi un espace o\u00f9 l\u2019\u00eatre se d\u00e9robe et se d\u00e9fait, une exploration de la fragilit\u00e9 et de l\u2019intensit\u00e9 de l\u2019existence incarn\u00e9e, o\u00f9 le corps devient le vecteur ultime d\u2019\u00e9motions brutes et incontr\u00f4lables.<\/p>\n\n\n\n Le XX\u1d49 si\u00e8cle, marqu\u00e9 par massacres, tortures et horreurs, trouve en Francis Bacon son \u00ab\u202fchroniqueur\u202f\u00bb, qui traduit ces convulsions dans des corps disloqu\u00e9s et r\u00e9duits \u00e0 la chair. Qu\u2019il s\u2019agisse de ses s\u00e9ries de crucifixions, des papes inspir\u00e9s de Vel\u00e1zquez, ou des portraits de ses amis et d\u2019hommes d\u2019affaires, toute l\u2019humanit\u00e9 semble se tordre et se vomir elle-m\u00eame au sein de ses compositions. <\/p>\n\n\n\n L\u2019espace ambigu de ses toiles, structur\u00e9 par des lignes diagonales, verticales ou courbes et des fonds uniform\u00e9ment peints, devient le th\u00e9\u00e2tre terrifiant de ces corps en souffrance. Pour Bacon, ses \u0153uvres doivent agir \u00ab\u202fdirectement sur le syst\u00e8me nerveux\u202f\u00bb : le spectateur re\u00e7oit ses toiles comme un choc profond, “un coup port\u00e9 au creux de son \u00e2me” (D. Anzieu).<\/p>\n\n\n\n Dans l\u2019apr\u00e8s-guerre, Jean Dubuffet [1901-1985] et Willem de Kooning [1904-1987] explorent le corps f\u00e9minin avec une \u00e9nergie picturale qui m\u00eale d\u00e9rision, agressivit\u00e9 et mat\u00e9rialit\u00e9. <\/p>\n\n\n\n Dubuffet, avec ses \u0153uvres comme La M\u00e9tafisyx<\/em> ou la s\u00e9rie Corps de dames<\/em> (1950-1951), d\u00e9pouille le nu de ses pr\u00e9rogatives classiques\u202f: ordre, beaut\u00e9, sym\u00e9trie. Les formes s\u2019aplatissent, se confondent dans la mati\u00e8re, transform\u00e9es \u00ab\u202fen galettes, aplaties au fer \u00e0 repasser\u202f\u00bb, selon ses propres mots. L\u2019espace pictural co\u00efncide avec la surface de la toile\u202f: toute profondeur dispara\u00eet, laissant place \u00e0 une vision organique et chaotique de la chair, o\u00f9 le corps est vu de l\u2019int\u00e9rieur et d\u00e9voile sa complexit\u00e9 intrins\u00e8que.<\/p>\n\n\n\n Jean Dubuffet, 1. Corps de dame<\/a><\/em> ; 2. Le M\u00e9taphisyx<\/em>; <\/p>\n\n\n\n Dans sa s\u00e9rie Corps de dames, Dubuffet rejette l\u2019id\u00e9alisation traditionnelle du nu f\u00e9minin, qu\u2019il juge \u00ab\u202fmis\u00e9rable et d\u00e9primante\u202f\u00bb. Il souhaite \u00ab\u202fnettoyer toute beaut\u00e9 conventionnelle\u202f\u00bb des corps qu\u2019il peint, pour repartir d\u2019un \u00ab\u202fz\u00e9ro\u202f\u00bb qui permet \u00e0 l\u2019objet peint de devenir, paradoxalement, une merveille et de r\u00e9v\u00e9ler une valeur propre, lib\u00e9r\u00e9e des normes sociales.<\/sup><\/p>\n\n\n\n Willem De Kooning, Women<\/em>, 1950-1952, MoMA<\/p>\n\n\n\n Lucian Freud [1922-2011] transforme le nu f\u00e9minin en une exploration radicale de la chair et de la pr\u00e9sence humaine. Dans des \u0153uvres comme Girl with a White Dog<\/em>, Naked Girl<\/em>, ou plus tard Benefits Supervisor Sleeping<\/em> (1995), il peint le corps avec une intensit\u00e9 presque clinique, r\u00e9v\u00e9lant sa mat\u00e9rialit\u00e9 brute, sa lourdeur, ses plis, sa tension musculaire et sa vuln\u00e9rabilit\u00e9. <\/p>\n\n\n\n Lucien Freud 1. Girl with a kitten<\/em> (1947) – le corps f\u00e9minin est repr\u00e9sent\u00e9 avec une intensit\u00e9 psychologique, \u00e0 la fois fragile et inqui\u00e9tante; 2. Girl with a white dog <\/em>(1951) – intimit\u00e9 silencieuse, entre douceur et malaise, r\u00e9v\u00e9lant une pr\u00e9sence fragile mais sans id\u00e9alisation; 3. Naked girl<\/em> (1966)-le nu f\u00e9minin appara\u00eet dans sa mat\u00e9rialit\u00e9 brute, lourd et vuln\u00e9rable, affirmant la crudit\u00e9 charnelle au d\u00e9triment de toute beaut\u00e9 acad\u00e9mique.<\/sup><\/p>\n\n\n\n Loin de l\u2019id\u00e9alisation ou de l\u2019abstraction, Freud capture le corps dans sa densit\u00e9 et sa v\u00e9rit\u00e9, en restituant l\u2019exp\u00e9rience v\u00e9cue du mod\u00e8le et l\u2019intimit\u00e9 de la sc\u00e8ne. Benefits Supervisor Sleeping<\/em> illustre parfaitement cette approche : un corps f\u00e9minin nu est \u00e9tendu sur un canap\u00e9, repr\u00e9sent\u00e9 avec une pr\u00e9sence tangible qui oblige le spectateur \u00e0 une attention et une contemplation intenses. Le titre souligne la dimension ordinaire et sociale du corps, inscrivant la chair dans une r\u00e9alit\u00e9 quotidienne tout en explorant sa subjectivit\u00e9. L\u2019application \u00e9paisse de l\u2019huile conf\u00e8re au corps un effet presque sculptural, transformant la surface picturale en espace intime o\u00f9 le spectateur per\u00e7oit la chair dans sa densit\u00e9 et son v\u00e9cu. Lucien Freud, Benefits Supervisor Sleeping<\/em>, (1995), 151 cm*219 cm<\/p>\n\n\n\n Dans la continuit\u00e9 de\u00a0Lucian Freud, qui explore la v\u00e9rit\u00e9 psychologique du corps par une peinture de la chair crue et frontale,\u00a0Jenny Saville\u00a0radicalise cette approche en faisant du corps f\u00e9minin une mati\u00e8re monumentale, dense et instable, o\u00f9 l\u2019identit\u00e9 semble elle aussi vaciller sous le poids de la repr\u00e9sentation. (voir l’article sur Jenny Saville<\/a>).<\/p>\n\n\n\n Apr\u00e8s l\u2019investigation de Lucian Freud sur la chair et la vuln\u00e9rabilit\u00e9 du corps humain, la photographie contemporaine prolonge cette exploration en s\u2019int\u00e9ressant aux corps confront\u00e9s \u00e0 la souffrance, \u00e0 l\u2019exclusion ou \u00e0 la violence sociale et psychique. Dans ce contexte, les \u0153uvres de Sophie Ristelhueber et de Raymond Depardon apportent un \u00e9clairage compl\u00e9mentaire. L\u00e0 o\u00f9 Freud scrutait la mat\u00e9rialit\u00e9 et la densit\u00e9 de la chair, Ristelhueber et Depardon examinent la fragilit\u00e9 et la r\u00e9silience du corps<\/em>, soit \u00e0 travers les cicatrices visibles laiss\u00e9es par la guerre et la vie (Eleven Blows<\/em>, Everyone 14<\/em>), soit \u00e0 travers la souffrance invisible et l\u2019isolement des malades psychiatriques (San Clemente<\/em>, Manicomio<\/em>). Ces artistes documentent ainsi la vuln\u00e9rabilit\u00e9 humaine dans des contextes extr\u00eames et questionnent la relation entre corps, m\u00e9moire et soin,<\/em> physique ou symbolique.<\/p>\n\n\n\n Si les \u0153uvres de Sophie Ristelhueber et de Raymond Depardon mettent en \u00e9vidence un corps marqu\u00e9 par la souffrance, qu\u2019elle soit physique ou psychique, certaines images issues du photojournalisme de guerre portent cette vuln\u00e9rabilit\u00e9 \u00e0 son paroxysme. L\u00e0 o\u00f9 Ristelhueber montre les cicatrices inscrites dans la peau et o\u00f9 Depardon r\u00e9v\u00e8le l\u2019isolement et la fragilit\u00e9 mentale, la photographie de guerre expose le corps dans l\u2019instant m\u00eame de la violence. L\u2019image prise en 1972 par Nick Ut, montrant une enfant br\u00fbl\u00e9e par le napalm lors de la guerre du Vietnam, t\u00e9moigne de mani\u00e8re directe de cette atteinte extr\u00eame au corps. La souffrance n\u2019est plus seulement sugg\u00e9r\u00e9e par des traces ou par l\u2019enfermement, mais se manifeste dans l\u2019urgence du drame, r\u00e9v\u00e9lant la fragilit\u00e9 du corps humain confront\u00e9 \u00e0 la destruction.<\/p>\n\n\n\n <\/p>\n\n\n\n Sources :<\/p>\n\n\n\n Le portrait et l’individualit\u00e9 dans l’art moderne Le processus d\u2019objetisation du corps passe par son morcellement. D\u00e9couper ou simplement nommer le corps en ses diff\u00e9rentes parties, c\u2019est d\u00e9truire sa totalit\u00e9 organique pour transformer chaque organe en objet \u00e0 part enti\u00e8re. Il est toutefois une partie du corps – une seule – qui, consid\u00e9r\u00e9e s\u00e9par\u00e9ment, \u00e9chappe… Continue reading Identit\u00e9s en crise<\/span><\/a><\/p>\n","protected":false},"author":1,"featured_media":0,"comment_status":"open","ping_status":"open","sticky":false,"template":"","format":"standard","meta":{"footnotes":""},"categories":[15,1],"tags":[],"class_list":["post-2538","post","type-post","status-publish","format-standard","hentry","category-le-corps-apres-1945","category-non-classe","entry"],"_links":{"self":[{"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/2538","targetHints":{"allow":["GET"]}}],"collection":[{"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts"}],"about":[{"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/types\/post"}],"author":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/users\/1"}],"replies":[{"embeddable":true,"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/comments?post=2538"}],"version-history":[{"count":47,"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/2538\/revisions"}],"predecessor-version":[{"id":3174,"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/posts\/2538\/revisions\/3174"}],"wp:attachment":[{"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/media?parent=2538"}],"wp:term":[{"taxonomy":"category","embeddable":true,"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/categories?post=2538"},{"taxonomy":"post_tag","embeddable":true,"href":"https:\/\/anadel.fr\/index.php\/wp-json\/wp\/v2\/tags?post=2538"}],"curies":[{"name":"wp","href":"https:\/\/api.w.org\/{rel}","templated":true}]}}![\"\"](\"https:\/\/anadel.fr\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/Louis-Francois_Bertin-833x1024.jpg\")
<\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\n
Mais au XX\u1d49 si\u00e8cle, cette tradition est profond\u00e9ment transform\u00e9e. Le visage, autrefois symbole positif de l\u2019individu, devient un terrain d\u2019exp\u00e9rimentation plastique et psychologique. Les traits se d\u00e9forment, les angles s\u2019accentuent, les couleurs s\u2019aiguisent : l\u2019esth\u00e9tique du grotesque et de la caricature pr\u00e9pare cette \u00e9volution d\u00e8s le XIX\u1d49 si\u00e8cle, avec Victor Hugo ou Daumier. <\/p>\n\n\n\n
\n\n\n\n
Cette approche de l\u2019individu en crise sert de r\u00e9f\u00e9rence majeure aux artistes de la seconde moiti\u00e9 du XX\u1d49 si\u00e8cle – comme Giacometti, Bacon, Dubuffet, de Kooning ou Rainer – qui explorent la figure humaine comme un territoire de fragilit\u00e9 et de questionnements identitaires. Le portrait et le corps deviennent des instruments pour saisir non seulement la forme, mais aussi l\u2019\u00e9tat psychique et la vuln\u00e9rabilit\u00e9 de l\u2019\u00eatre humain dans un monde boulevers\u00e9 par la guerre et les transformations sociales.<\/p>\n\n\n\nAlberto Giacometti – le corps confront\u00e9 \u00e0 l’\u00eatre (l’homme suspendu entre pr\u00e9sence et absence)<\/h4>\n\n\n\n
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<\/figure>\n\n\n\n![\"\"](\"https:\/\/anadel.fr\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/alberto-giacometti-la-femme-qui-marche.jpg\")
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<\/figure>\n<\/figure>\n\n\n\nFrancis Bacon – le corps comme chair et sensation<\/h4>\n\n\n\n
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<\/figure>\n\n\n\nStudies of the human body <\/h5>\n\n\n\n
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<\/figure>\n\n\n\n![\"\"](\"https:\/\/anadel.fr\/wp-content\/uploads\/2025\/12\/Torse_du_Belvedere_-_Museo_Pio_Clementino.jpg\")
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<\/figure>\n\n\n\n
<\/p>\n\n\n\n<\/h4>\n\n\n\n
Dubuffet et De Kooning\u202f: le corps comme mati\u00e8re et expression<\/h4>\n\n\n\n
![\"\"](\"https:\/\/anadel.fr\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/Ladys-Body-Corps-de-Dame_200012_ph-802x1024.jpg\")
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De Kooning, subjugu\u00e9 par ces peintures expos\u00e9es \u00e0 New York en 1951, \u00e9labore ses c\u00e9l\u00e8bres Women<\/em>. Sa peinture, plus violente et tragique, explore la chair par la gestuelle du pinceau et les tensions internes de la mati\u00e8re picturale. Les \u00e9clats de couleur, les gestes impulsifs et l\u2019irruption du corps du peintre sur la toile donnent au nu f\u00e9minin un statut nouveau\u202f: la figure cesse d\u2019\u00eatre simple sujet et devient trace, action et pr\u00e9sence de l\u2019artiste dans le monde.<\/p>\n\n\n\n![\"\"](\"https:\/\/anadel.fr\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/Woman-I.jpg\")
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Les deux peintres partagent une approche o\u00f9 la mati\u00e8re devient expressive\u202f: la p\u00e2te picturale, tritur\u00e9e et model\u00e9e, agit comme un \u00e9quivalent du corps humain, confront\u00e9 \u00e0 la souffrance, \u00e0 la force et \u00e0 la fragilit\u00e9. L\u2019art devient un v\u00e9ritable corps \u00e0 corps\u202f: la figure, inscrite dans la surface, marque le lien entre un \u00ab\u202fmoi\u202f\u00bb et un \u00ab\u202ftoi\u202f\u00bb, entre le geste de l\u2019artiste et la mati\u00e8re du monde. Chez Dubuffet comme chez De Kooning, la peinture oscille entre figuration et abstraction\u202f; elle transforme la chair et le corps en symboles de tension, de vitalit\u00e9 et de complexit\u00e9 organique. Par cette approche, Dubuffet et De Kooning prolongent une tradition expressionniste et mat\u00e9rialiste\u202f: la chair, la mati\u00e8re et le corps deviennent simultan\u00e9ment sujet, objet et langage, inscrivant la pr\u00e9sence humaine dans le monde par le geste m\u00eame de la cr\u00e9ation.<\/p>\n\n\n\nLucien Freud – la chair comme espace de subjectivit\u00e9<\/h4>\n\n\n\n
![\"\"](\"https:\/\/anadel.fr\/wp-content\/uploads\/2026\/04\/LF.jpg\")
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\n\n\n\nSophie Ristelhueber<\/strong> et Raymond Depardon<\/strong><\/a><\/h5>\n\n\n\n
Nick Ut – la photographie de guerre et l\u2019image de Napalm Girl<\/a><\/h5>\n\n\n\n
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discussion actuelle concernant le visage et le soi. Les visages de Bacon me paraissent tr\u00e8s \u00e9loign\u00e9s de la perception du r\u00e9el. Bacon, regardant les visages, me semble douloureusement chercher \u00e0 \u00eatre vu, ce qui est \u00e0 la base d\u2019un regard cr\u00e9atif. \u00bb D. Winnicott, Le r\u00f4le de miroir de la m\u00e8re et de la famille dans le
d\u00e9veloppement de l\u2019enfant<\/em>,(1967) Nouvelle Revue de Psychanalyse, n\u00b010, Paris, Gallimard, 1974, p. 86.<\/li>\n\n\n\n