Henri Matisse [1869-1954] est l’un des peintres français les plus importants du XXᵉ siècle. Son œuvre se distingue par l’utilisation expressive de la couleur, la simplification des formes et une grande recherche d’harmonie visuelle. Chef de file du Fauvisme, mouvement artistique caractérisé par des couleurs vives et une peinture très libre, Matisse a profondément influencé l’évolution de l’art moderne. Tout au long de sa carrière, il a exploré différentes techniques et styles, tout en cherchant à exprimer la beauté, la lumière et l’émotion à travers ses compositions. Grâce à son approche novatrice de la couleur et de la forme, Matisse est aujourd’hui considéré comme l’un des artistes majeurs de l’art moderne.
Matisse : le désir suspendu dans la ligne
Contrairement à l’intensité charnelle et possessive de Picasso, Matisse entretient avec ses modèles professionnels – Laurette (1916-17), Henriette Darricarrère (années 1920), Lydia Délectorskaya (années 1930-50) – un rapport purement visuel, marqué par un retrait radical. Il crée une distance avec le modèle, privilégiant une sensualité rêvée et codifiée plutôt qu’une expression immédiate du désir.
« L’intérêt émotive qu’elles m’inspirent ne se voit pas spécialement sur la représentation de leur corps, mais souvent par des lignes ou des valeurs spéciales qui sont répandues sur toute la toile et en forment l’orchestration », confie-t-il. Cette volupté sublimée transforme le désir brut en abstraction sensuelle : la ligne serpentine, ample et paresseuse, serpente nonchalamment, ménageant espaces blancs et relâchements qui éloignent le modèle de la proximité physique pour le projeter dans l’imaginaire du fantasme.
Exemples emblématiques :
Henri Matisse, La Serpentine 1909, Peintre dans son atelier 1917
- La Serpentine (bronze, 1909, Musée d’Orsay) : corps féminin nu déplié en arabesque fluide, membres déliés comme une vague immobile ; la simplification des formes évacue la matérialité pour une sensualité rythmique, presque musicale.
- Peintre dans son atelier (1917, Centre Pompidou) : miroir interposé entre modèle allongé et artiste anonyme, multipliant les plans de représentation ; la figure féminine, vue de dos, devient motif décoratif dans un décor foisonnant, où le désir se dissout en contemplation architecturée.
- Dessin Peintre et son modèle (1937, Baltimore Museum of Art) : trois niveaux superposés (modèle réel, reflet dans la glace, tracé sur papier) instituent une distance infranchissable, transformant l’atelier en théâtre de signes abstraits.
- La Blouse roumaine (1940, Musée Pouchkine) : portrait épuré de Lydia après six mois de travail ; motifs brodés stylisés sur la blouse bleue, aplats tricolores (bleu-blanc-rouge) et courbes organiques des épaules font surgir une harmonie décorative, reflet inconscient des angoisses de la guerre où timidité du modèle rime avec tension sublimée.
- Portrait au visage rose et bleu (1936-37, Musée des beaux-arts du Canada) : simplification extrême du visage en ovales colorés, chevelure ornementale intégrant motifs floraux ; le blanc du fond irradie une lumière intérieure, « modelant sans enlever sa blancheur attendrissante ».
Matisse, Peintre et son modèle 1919, 1937
Matisse, La blouse roumaine, 1940
Son trait, « traduction directe et la plus pure de mon émotion » (Propos sur l’art), se réduit au signe essentiel : non la mimesis littérale de la fleur ou de la main, mais leur essence ornementale. Arabesques et bijoux plastiques « suggèrent la forme ou l’accent de valeurs nécessaires à la composition », tandis que le blanc du papier joue comme lumière génératrice. Matisse observe ses muses dans « leur abandon au repos », les gardant « plusieurs années, jusqu’à épuisement d’intérêt », capturant leur « état d’âme » via ces signes plastiques inconscients.
Matisse, Grand nu couché (Nu rose) 1935, Nu bleu, 1952
Ainsi, chez Matisse, le désir ne s’impose pas comme chez Picasso : il se suspend, se sublime en orchestration visuelle – une paresse créative où la volupté flotte, intouchable, transformant la femme en motif éternel d’une symphonie de lignes et de couleurs. Loin de posséder le corps, Matisse le rêve, le fait danser dans l’espace blanc de la feuille.
Henri Matisse, Odalisque au coffret rouge, 1927, 65cm*50cm, Musée Matisse
L’Odalisque au coffret rouge (1937) incarne l’orchestration matissienne : courbes nonchalantes du corps contre tapis fleuri et rayures vives, motifs intégrés comme une symphonie décorative.