le geste, le rythme et la transe
Jackson Pollock [1912-1956] est l’une des figures majeures de l’expressionnisme abstrait américain. Son œuvre Autumn Rhythm, aujourd’hui conservée au Metropolitan Museum of Art de New York, illustre parfaitement une peinture fondée sur le geste et sur une dimension presque mystique. Les photographies prises dans son atelier montrent un artiste en mouvement constant : Pollock ne peint pas seulement, il tourne autour de la toile posée au sol, comme s’il exécutait une sorte de danse autour de la toile.
Hans Namuth, Jackson Pollock dans son atelier, photo
Cette manière de travailler s’enracine dans son enfance passée à la campagne. Avec son frère Charles, également peintre, il avait d’abord tenté de représenter des paysages, sans réel succès. Ils se souviennent alors de rituels observés dans une réserve amérindienne proche de leur maison. Certains consistaient à laisser tomber du sable coloré pour dessiner des formes au sol. Ce geste, comparable à celui du mandala tibétain, relevait d’une pratique spirituelle, d’un acte de prière : le sable dispersé par le vent symbolisait la diffusion du message. Pollock s’inspire de cette dimension rituelle et développe une peinture qui se fait dans l’action, au-dessus d’une toile horizontale, dans une sorte de transe.
Cependant, la peinture à l’huile ne permet pas d’obtenir l’effet fluide recherché. Une autre influence intervient alors, liée à son installation à New York. À proximité de son logement, des ouvriers d’une usine d’aviation utilisent une peinture émail brillante, conçue pour recouvrir les carlingues. Pollock découvre que cette matière coule facilement et peut prolonger son geste. Il adopte cette peinture industrielle, malgré sa toxicité, et développe la technique du dripping. Son mouvement acquiert alors une double portée symbolique : il évoque à la fois les rituels amérindiens et les avions traversant le ciel, deux images qui renforcent la dimension spirituelle de son travail.
La personnalité de Pollock contribue aussi à sa légende. Peggy Guggenheim, qui soutient l’artiste, achète ses premiers dripping et l’aide financièrement. Un soir de vernissage, Pollock apparaît vêtu d’un smoking acheté grâce à cet argent… mais toujours chaussé de ses chaussures d’atelier, couvertes de peinture. On raconte que tout le monde cherchait l’artiste dans la foule : il était le seul qu’on pouvait reconnaître… à ses chaussures. Cette anecdote illustre l’image singulière de l’artiste, identifiable au milieu de la foule par ces traces visibles de son travail.
Jackson Pollock, Autumn Rhythms, 1950, Metropolitan Museum of Art
Autumn Rhythm (numéro 30) est une peinture-émail non figurative réalisée par projection, coulure et versage sur une toile posée à l’horizontale avant d’être retravaillée, conduisant à des paquets de fils ou gouttelettes noirs, blancs ou bruns. L’œuvre se compose d’un enchevêtrement de lignes et de gouttelettes formant des tracés qui paraissent spontanés, presque anarchiques. L’ensemble donne une impression de mouvements asymétriques, sans perspective, où domine une énergie brute.
Les couleurs principales sont le noir, le brun et le blanc. Le tracé, répétitif et aléatoire, crée un rythme visuel intense. Le noir sert à structurer l’espace et à accentuer le relief, tandis que le blanc apporte de la lumière. Le brun participe à l’impression de chaleur et de mouvement. L’ensemble semble traduire une émotion forte, parfois interprétée comme une forme de colère, mais surtout comme une expression directe du geste de l’artiste. Ainsi, par le geste, le rythme et la matière, Autumn Rhythm traduit pleinement la dimension expressive et mystique de la peinture de Jackson Pollock.
Pollock, Blue Poles, 1952
Avec Autumn Rhythm, Pollock ne représente pas le monde : il en restitue le mouvement. La toile devient l’espace d’un acte, d’un rythme et d’une expérience presque spirituelle, où le geste lui-même constitue l’essence de l’œuvre.